De 30 beste filmene i 2017

Fra de små indiene til de store blockbusterne, det viste seg å være et herlig år på filmene.

Som Matt Zoller Seits sa, det er virkelig ikke noe slikt som et "dårlig år for filmer", ikke hvis du vet hvor du skal se. Heldigvis slapp du å se langt i 2017, da det alltid var noe verdt å spille på ditt lokale teater eller på Netflix. Det ser også ut til at det samlet sett var mindre forferdelige filmer vi måtte tåle, eller i det minste var de lettere å ignorere takket være alle de bedre alternativene. Vi fikk en god DC-film i år, og hvis det ikke selger deg hvor verdt dette året var for film, vet jeg ikke hva som kommer til å gjøre det.

Det er på tide å spre kjærligheten ved å se på de beste filmene 2017. Jeg bestemmer størrelsen på årsluttlisten min basert på hvor mange filmer jeg trodde var verdt å se generelt, og det var bare for mye jeg likte, så en liten topp 10 bare var ikke kommer ikke til å kutte det.

Reglene mine er alt går. Hvis jeg så det på kinoer, teller det, selv om det bare hadde en festivalkjøring eller ikke vil se en bred utgivelse før neste år. Følgelig betyr dette også indie / utenlandske filmer noen av dere så i år (som Raw eller Your Name) er på listen min fra i fjor siden jeg så dem på festivaler da og ikke vil bli rangert denne gangen. Selv kan jeg selvfølgelig ikke se alt, men jeg håper denne listen vil være nok.

Filmer har jeg ennå ikke sett og kan bli lagt til senere: The Post, Phantom Thread, A Quiet Passion, The Work, Loveless, On the Beach at Night Alone, Mudbound, The Meyerowitz Stories, After the Storm, The Little Hours, Personal Shopper , Girl's Trip og alle disse søvnløse nettene blant andre.

Honorable Mentions: Brigsby Bear, Good Time, It, Gerald's Game, Lady Macbeth, Molly's Game og Wonder Woman.

James Gray stod aldri frem som regissør for epos, men med The Lost City of Z har han vist seg mer enn i stand til å skape en fengslende fortelling om besettelse på en episk skala. Tilpasset fra David Granns bok med samme navn fra 2009, følger Z den virkelige utnyttelsen av Percy Fawcett, som førte til en rekke ekspedisjoner for å avdekke en tapt by som han trodde var skjult i Amazons. Greys film fanger den ødeleggende kraften i Fawcetts besettelse mens han utforsker hva det betydde i sammenheng med det tidlige 1900-tallet, spesielt med tanke på kolonialisme og sexisme. Den graver dypt ned i hva som driver oss og hvor den stasjonen kan ta deg, og den endelige destinasjonen kan være utenfor ens forståelse. Filmen inneholder også vakker kinematografi fra Darius Khondji, som har fargepalett perfekt fanger Amazonas og skaper følelsen av et gammelt portrett du vil finne på loftet. Det er en film som bare venter på å bli oppdaget som den titulære tapt byen.

Martin McDonagh er ikke fremmed for å lage ubehagelige, men likevel morsomme filmer, men Three Billboards Outside Ebbing, Missouri kan bare ta kaken. Det er ikke en film som forventer at du tilgir forferdelige mennesker, men den forventer at du viser empati til medmenneske uansett hvor avskyelig de er. Det viser også at voldelige mål ser resultater, men på et tidspunkt vil det bare være mer vold. Det er en film som veksler på grensen mellom å være grusom og ufølsom, men til slutt kommer den til at du må ta den turen uansett, og det er ikke noe lett svar på hvordan du løser problemer som dette. Det er en moralsk lekeplass som tvinger deg til å konfrontere hva du forventer og hva du skal tenke på disse karakterene. Det kan føre til at du føler deg kald, den fungerer kanskje ikke engang (det er rimelig debatt om McDonagh viser for mye tilgivelse til en bestemt karakter og hans syn som en hvit filmskaper begrenser hans syn på visse rasemessige elementer), men jeg føler filmen til slutt tjener sin plass på denne listen for villig til å ta det stupet når de fleste ville skyte unna.

Jeg har riktignok ikke vært tilhenger av Thor-filmene før nå. De hadde alltid gode konsepter, men dårlig gjennomføring. Med What We Do in the Shadows-regissøren Taika Waititi ved roret, spikrer Thor: Ragnarok lett hva de andre filmene har savnet. Omfokusen på Asgard som en utopi bygd av kolonialismen er et genialt slag som gjør at Waititi både kan kommentere kolonialismen generelt, men også å undersøke Tors egne prioriteringer og å komme til det som får ham til å tikke som karakter. Waititi legger også til en god dose av sin egen rare humor, noe som gjør noen av de beste vitsene i noen Marvel-filmer til dags dato (jeg vil alltid le av "Piss off ghost!"). Chris Hemsworth får lov til å til slutt hamme opp til hjertets ønske, og det er gode forestillinger fra Tessa Thompson og Mark Ruffalo å starte opp. Det er alltid frykten for at superheltfilmer vil bli foreldet, men hvis Marvel kan fortsette å overraske oss med filmer som dette, kan vi være sikre på at vi ikke blir lei dem på noen tid.

Filmen kan regne seg selv som Ocean's 7/11, og ja, det er absolutt noe av den humoren, men Logan Lucky er alt annet enn en karikert skildring av sørlandsk arbeiderklassefolk. Soderbergh, frisk fra pensjonisttilværelsen, viser at han absolutt ikke har mistet kontakten når det gjelder å blande humor med patos. Filmen følger et par dun på lykkebrødrene deres som verver hjelp fra både familie og kriminelle for å hjelpe med å rane Charlotte Motor Speedway. De vanlige heist-shenanigansene følger, og det er morsomt, men det som får filmen til å fungere, er hjertet i sentrum av historien. Denne filmen har et emosjonelt midtpunkt som er bygd rundt et barns talentshow, et komplott som er utformet som vanligvis er ganske ødelagt, som vil føre deg til tårer. Soderbergh tar karakterer de fleste vil avvise som NASCAR søppel (til og med karakterene selv ville gjort), og viser delene av dem du ikke får se i den typiske Hollywood-filmen din. Det er et sus av frisk luft som er like morsomt som hvor gøy Daniel Craig ser ut som han har å ha på skjermen.

Jeg er ikke helt overbevist om at The Lure fungerer som en film. Den er kanskje for fragmentert og over alt både tonalt og tematisk, men ingen film i år hadde den rå tilstedeværelsen og energien som Smoczynskas film oppnår. Det er vanskelig å til og med beskrive hva det er for det første. Det beste jeg kan si er at det er en goth-pop skrekkmusikal som gjenforteller The Little Mermaid ... på sprekk. Hver scene kaster noe nytt på deg som bygger mindre av det som skjer narrativt fra scene til scene, men mer hva som skjer følelsesmessig. Et sant komplott ser ikke ut til å dukke opp før den siste tredjedelen når Little Mermaid-historien begynner å bli tydeligere, men på dette tidspunktet har filmen allerede senket sine hender i hjertet ditt (ganske bokstavelig i selve filmen). Det er den ene demente fehalen som det er verdt å gå seg vill i.

Det er ingen bedre måte Hugh Jackman kunne ha trukket seg tilbake til Wolverine-karakteren enn med Logan, som er for Superhero-sjangeren hva Unforgiven er for Western. Det er en dekonstruksjon som gjør sjangeren naken og Jackman får full Eastwood. Den lar ikke sjangeren ligge igjen, den er fremdeles veldig en superheltfilm og er mer håpefull enn ved første øyekast, men det er en del av grunnen til at filmen fungerer. Wolverine og X-men kan ha mislyktes, men det vil alltid være de som kommer etterpå, og hvis filmen kommenterer noe om superheltmedier er det at den gamle vil dø ut, men de vil leve videre i ånd med nye superhelter (til og med den dekonstruksjon vet at de ikke kommer noen vei snart). Jackman er også fremdeles stor, da Logan selv og Mangold, med en uhemmet R-rating, gjør alt han vil, og alt det han vil, er veldig bra av meg.

Om noe, The Killing of a Sacred Deer er bare et ytterligere bevis på Lanthimos 'tilnærming til historiefortelling om en ekstremt mangefasettert. Han skyter og regisserer på samme måte som sine tidligere satsinger, men selv om det gjorde The Hummer morsom, gjør den denne filmen nervøs. På ekte gresk vis er Lanthimos 'film en tragedie som ikke skvetter over smerten den gir karakterene sine gjennom. Leksjoner læres, men det betyr ikke at ting endrer seg. Det er et mørkt og kynisk blikk på det moderne Amerika med en fantastisk og skummel forestilling fra Barry Keoghan som du ikke snart vil glemme.

Det er et ordtak om at hvis du er en god filmskaper, kan du gjøre noe interessant. Selv om det bare er hans første film, er det tydelig video-essayist Kogonadas Columbus besitter det talentet og ferdigheten. Arkitektur kan være et veldig tørt emne for de som ikke allerede er interessert, men Kogonada binder det i sin helhet med disse menneskelige ånder filmen fokuserer på. Historien angår to personer, en som trenger å bo i Columbus men vil forlate og en annen som trenger å forlate, men ikke kan la være å bli, og følger dem mens de diskuterer arkitektur og liv. Kogonada bruker arkitekturen for å skape en følelse av forbindelse mellom de to, som to buer som støtter hverandre. Det er også flott å se John Cho få kontingentene med en stor ledende rolle. Mannen har blitt forandret for lenge. Det ville være grunn nok til å se Columbus, men filmen er også uendelig engasjerende. Dialogen flyter så naturlig og få filmer har et slikt grep om kinos funksjonalitet, de videooppsatsene endte med å betale seg i Kogonada-saken.

Dunkirk er undergravende på måter som ikke en gang er synlige ved første visning. For det første er det en krigsfilm der det primære ikke er å vinne, men å overleve. Det er et viktig skille som gir filmen sin spenning til tross for at vi knapt blir kjent med de fleste av disse karakterene. Vi vet fra begynnelsen at alt håp er tapt i kampen, det er bare et spørsmål om å jobbe for å redde de som er krangel fra total utslettelse. Nolan legger begrensninger på seg selv som filmskaper, fra å begrense lengden til å skape en hardlinestruktur for filmen. Det ender med at vi får frem det beste i alle hans samarbeidspartnere, spesielt komponisten Hans Zimmer og redaktør Lee Smith. Nolan fortsetter å bevise sin mestring over sitt håndverk med sannsynligvis den beste regisserte filmen til dags dato.

James Gunn overrasket publikum tilbake i 2014 med de første Guardians of the Galaxy, og i 2017 dro han teppet ut fra oss igjen med Guardians of the Galaxy Vol. 2, en superheltfilm sentrert rundt sykluser av overgrep og hvordan vi takler det. Enten det er familiedynamikken til søstre som har vokst til å harme hverandre over misbruk av en far, harme fra de rundt deg basert på tidligere feil, eller til og med bare forsømmelse av en forelder; dypet av menneskelige følelser blir utforsket på måter som mange superheltfilmer bare klør overflaten av. Til slutt ender det opp med å bli årets beste superheltfilm, med morsomme forestillinger, flott regi og et killer soundtrack å starte opp. Den gjør det som alle gode oppfølgere gjør, og i stedet for å prøve å oppfylle originalen, bygger den buer og eksisterende historier, og gir endelig karakterer som Nebula og Yondu sin skyld. Det er en stor glede, og jeg forventer ivrig hvor Gunn fortsetter å ta franchisen.

Overlater det til Edgar Wright til en-opp James Gunn når det gjaldt å bruke klassiske sanger til å strukturere filmen hans rundt. Lydsporene for Baby Driver er oppsiktsvekkende, fra "Bellbottoms" til "Brighton Rock" var det ingen bedre film å høre på i år. Men selvfølgelig har Wright instruksjonskotelettene til å støtte sin elektriske musikk med noen av de beste biljaktene på film siden Walter Hill perfeksjonerte action-settet. Kast inn noen fargerike karakterer og en klassisk romantikk, så har du formene til en flott actionfilm. Ikke mye å si annet enn at det er en morsom tid som Wright aldri klarer å levere.

Darren Aronofsky vet helt sikkert hvordan han skal polarisere publikum, og mor! viste seg å ikke være noe unntak, enda mer kanskje enn noen av hans mer avskyelige filmer. De fleste jeg har diskutert det med, gjør det med tøffe rasende tenner, denne filmen setter bare folk på slutten ... og jeg liker den slags. Stilistisk er det nervøs, skutt nesten helt i nærbilde for maksimal effekt. Å sitte i morens sko (spilt for å forvirre perfeksjon av Jennifer Lawrence) er en emosjonell berg-og-dalbane som alltid holder deg å gjette. Det er ikke vanskelig å forstå Aronofskys tynt slørete metafor for kunstnerisk skapelse, men den er absolutt kommunisert med en så kraftig at du ikke kan se bort et øyeblikk.

Hvem skulle trodd at vi etterhvert skulle komme på Tonya Harding? Men som jeg, påpeker Tonya, mens Harding absolutt kunne dele noe av skylden for det som skjedde, men hun var et offer for overgrep. Først av moren, deretter av mannen sin, og deretter av oss. Denne whiplashen i persepsjonen gjenspeiles i filmens stil som gir hardføre latter ett sekund før de går over i en voldelig kamp mellom mann og kone den neste. Det kan riffe på Scorsese, men synspunktet er at karakteren Scorsese helt sikkert ville ha sidelinjen til fordel for overgriperen. Legg til Margot Robbys Oscar verdige turnering som Harding og en stor støttende rollebesetning med Allison Janney som gjør Guds arbeid, og du har oppskriften på et flott biopikk.

War for the Planet of the Apes avslutter den mest usannsynlige trilogien i nyere minne. Ingen forventet at vi skulle se mer flotte Planet of the Apes-filmer, enn si en trilogi som inkluderer en så god film som krig. Det er ikke bare at forestillingene og forestillingene til skuespillerne i seg selv er eksepsjonelle, som de er, eller at den titulære krigen er kanten av setet ditt spennende. Det er tematisk det Krig sier om menneskeheten er sjokkerende. Den sier at kanskje menneskeheten fortjener å gå hvis den ikke kan lære å vokse og fikse seg selv, at en planet av aper er uunngåelig når vi ikke kan forandre oss. Den opprinnelige Planet of the Apes viste ganske enkelt at vi skrudd opp og endte oss selv, krig må rettferdiggjøre hvorfor det følelsen var sann til livet, og Reeves gjør det med eksepsjonelle resultater.

Jeg vil aldri bli mer mystifisert enn hvordan en film som The Room til slutt kan føre til en prisbelønnet film med alvorlige diskusjoner om en Beste Skuespiller-nominasjon på Oscars. Jeg kunne ikke forestille meg at for 10 år siden, da jeg ble forelsket i Tommy Wiseaus rare kultklassiker, kan jeg knapt forestille meg det etter å ha sett James Francos kjærlige hyllest. Men hvorfor Franco klarer å stikke landingen, er fordi han innser hva som er viktigst for historien bak The Room, er forholdet i sentrum av det, mellom Greg Sestero og Wiseau selv. Det er grunnen til at filmen ikke bare er en morsom ting for fansen å snakke om, det er grunnen til at filmen kan stå på egen hånd som en refleksjon av hva kunstneriske anstrengelser kan føre til når hjertet ditt er større enn hodet. Disaster Artist er en god knepping som finner mening under alle jukkene og tapper inn det medfødte ønsket om å skape, uansett hvem du er.

The Big Sick er en sann historie, men du vil aldri legge merke til det fra den. Det spiller som en vanlig romantisk komedie, men det er en sann historie vil bare bekrefte hvor ekte disse karakterene og deres situasjon føles. Det skaper en rik verden der fasetter som vanligvis vil være deres eget fokus i en gitt film bare er en del av den større verden. Kumail er ikke utelukkende definert av sitt forhold til sin familie og historie, selv om det fortsatt er viktig. Sammenstøtet mellom idealer mellom kulturer er ikke midt i fortellingen, men det er fortsatt viktig å forstå hvorfor ting skjer slik de gjør. Rom Coms får en dårlig rep, som er ufortjent, men kanskje det er fordi så få får vite hvorfor karakterene deres opptrer slik de gjør i Showalterts sjarmerende karakterstudie av mennesker i karrierer og hvordan de takler dem.

Jeg vil ikke forklare handlingen av A Ghost Story. Hvis alt du vet er at det handler om en fyr som spiller et spøkelse ved å faktisk ha det klassiske hvite arket over hodet, er det alt du trenger å vite. Lowerys film er en utforskning av tap i det som best har blitt beskrevet som en "post-horror-film". Det er ikke en "skummel" film, men den er en hjemsøkende vakker film hvis det er fornuftig. Kino av Andrew Droz Palermo er slående, og kostymedesignet av Annell Brodeur klarer å gjenvinne det klassiske spøkelset på hvitt ark på en måte jeg aldri vil være i stand til å glemme. A Ghost Story er en sakte film, men den blinker på et øyeblikk, som et øyeblikk fanget i tid. Det er et øyeblikk jeg ikke kan vente med å se på nytt.

Med Get Out kunngjorde Jordan Peele seg som den neste store tingen i filmen, og publikum svarte med glede. De svarte fordi Peeles satire- / skrekkdebut forstår hvordan du kommuniserer ideen sin på en måte som graver ned i hodeskallen din og feller deg som du er i det forliste stedet. Tittelen, Get Out, snakker med hvordan et svart publikummedlem kan reagere på en skrekkfilm, og åpningsscenen ser en svart mann bestemme seg for å unngå den åpenbare skrekken som en hvit karakter ville gå mot med munter forlatelse i din gjennomsnittlige skrekkflikk. Dette er Peele som viser hvor alvorlig den svarte stemmen mangler skrekk, og det er derfor han klarer å formidle filmens budskap, dens gjennomtenkte til tiende grad og ingenting er mer skummelt enn hvite mennesker. Dette er en filmskaper som har et sterkt grep om hva han vil si og hvordan han skal kommunisere. Få debutfunksjoner gjør like stort inntrykk, men hvis Get Out er en indikasjon på hva vi kan forvente av ham, vil Jordan Peele lage flotte filmer i lang tid.

Guadagnino utnytter rå menneskelige følelser i Call Me By Your Name, tilpasset fra den populære Andre Aciman-romanen. Det er et rørende blikk på begynnelsen av en jødisk amerikansk gutt som bor i 1980-tallet, når han innser viktigheten av tapt kjærlighet og kjærlighet. Guadagnino inviterer deg til å komme i nærheten for å se hvordan Elio og Oliver faller for hverandre, som om du er en hemmelig beundrer som ser langt fra. Dette hjelper av et rørende lydspor fra Sufjan Stevens 'musikk som trenger inn i sjelen og blir en karakter i seg selv for to scener. Det er en elegant film som ikke er redd for å ta deg gjennom smerter, men den vet at hjertesorg er verdt.

Netflix gjorde et stort plask i år med sine originale filmer. De hadde prisbelønte The Meyerowitz Stories og den uutholdelig kjedelige storfilmen Bright, men det sanne høydepunktet av det Netflix er i stand til var Okja, den siste filmen fra The Host og Snowpiercer-regissøren Bong Joon-ho. Med et manus som er skrevet av Jon Ronson, er Okja en utmerket kommentar til vårt forhold til dyrene vi spiser. På den ene siden behandler vi dem umenneskelig, men på den andre siden er vi mennesker og å spise kjøtt er helt naturlig og ikke noe å skamme oss over. Hvis filmen er sikker på noe, vil den aldri bli pen uansett hvordan du har den. Kapitalisme kan ikke være hyggelig og veganisme kan ikke løse det som skjer med skapninger som Okja, den bedårende gigantiske grisen i filmens sentrum. Det er en film ingen studio ville lage, men Netflix var villig til å gi den liv, og ingenting ser bedre ut på dem enn å la en slik film eksistere.

The Last Jedi minner meg om hvorfor jeg liker Star Wars. Etter Rogue One og floden av dårlige nyheter fra produksjonen av Solo, ble det vanskelig å huske hvorfor jeg noen gang var spent på mer Star Wars enn jeg noen gang kunne forestille meg. Men Rian Johnson vet at ting må ristes opp, og hans generasjons utfordrende åttende hovedrett gjør nettopp det. Det er et perfekt eksempel på at en film gir deg det du trenger og ikke det du vil. Tematisk er det den rikeste franchisen har vært siden den opprinnelige trilogien, og får deg til å stille spørsmål ved hele innseilingen om hva Star Wars er og kan være. Det er en eksplosjon fra start til slutt, og jeg kan lett se at den blir holdt der oppe med The Empire Strikes Back når tiden går.

Jeg hadde nektet å godta at dette kunne ha vært noe annet enn en feil. Du kan ikke lage en oppfølger til Blade Runner-arbeid. Den originale filmen ender på en bevisst tvetydig tone. Det er ingenting igjen å fortelle. Det Blade Runner 2049 gjør for å avhjelpe dette, er at den ikke følger historien om Deckard. Han er der, men filmen er ikke opptatt av skjebnen hans. I stedet fokuserer den på replikanten kjent som K og hans plass i verden. Ved å fokusere historien fra undertrykkeren til de undertrykte, er Villeneuve i stand til å bygge av det tematiske grunnlaget satt av Ridley Scott for tiår siden og finne flere måter å utforske hva det til og med betyr å være menneske. Matchet av Roger Deakins fantastiske film og en poengsum som ikke prøver å gjenerobre originalen, men kontekstualisere hva den lyden blir når verden blir mer overfylt og deprimert, er Blade Runner 2049 en turnékraft for eksepsjonell filmskaping.

Coco er som din vanlige Pixar-film. Det har de lyse farger og morsomme figurer som gjør det til en fryd for hele familien. Likevel, som de fleste Pixar-filmer, er det også et underliggende hjerte som setter hoder og haler over resten. Filmen er navngitt etter hovedpersonens Miguel bestemor. Den er ikke navngitt for Day of the Dead eller musikken Miguel er besatt av, den er oppkalt etter en karakter som knapt vises på skjermen. Betydningen av den karakteren, derimot, og viktigheten av familie i sentrum av filmen er monumental og hva som gjør den spesiell. Dette er en film gjennomvåt i kjærlighet og hva det vil si å være en del av en familie og den større arven fra den familien i en kultur. Cocos take on the Land of the Dead er fortryllende i utførelsen og det er prisverdig at Pixar fremdeles er i stand til å wow med animasjonen deres når det ser ut til at du ikke kan presse mediet lenger. Men jeg antar at vi kan slappe av, for hvis de fremdeles lager filmer så gode som Coco, er det ingenting å bekymre seg for.

Great Gerwig's Lady Bird fanger livets skiftende følelser som tenåring på spissen for å komme seg ut og være din egen person. Det som skiller det fra de fleste filmer i denne sjangeren, er dets forfriskende ærlighet. Lady Bird står overfor harde leksjoner, men hun lærer ikke alltid, og noen ganger vet hun ikke hva hun egentlig vil før det gikk forbi henne. Tenåringer har en sterk ide om hva som er viktig, men kan ennå ikke se det større bildet. Gerwigs film gjengir den tiden i livet til 90 minutters blitz før øynene dine som slipper unna deg som ungdom gjør oss alle. Filmen inneholder utmerkede forestillinger fra både Saoirse Ronan og Laurie Metcalf og lar dem utforske dybden i mor-datter-forholdet. Lady Birds mor er ikke alltid så omsorgsfull som hun kan se ut, men hun bryr seg virkelig om datteren sin, omstendighetene har nettopp gått ut. Lady Bird elsker moren sin, men mye i livet gjør det vanskelig for henne å se hvorfor moren gjør det hun gjør. Det er følelsesmessig ødeleggende første gang du reiser hjemmefra. Selv om du håndterer situasjoner som det bra, er det alltid en betydelig endring, og Lady Bird lykkes med å tappe på hva som får den endringen til å resonere.

Farg meg overrasket, ikke bare forventet jeg ikke at Don Hertzfeldt skulle lage en oppfølger til World of Tomorrow, lett en av tiårets beste filmer, men han laget en som matcher den i dens eksistensielle utforskning. Filmen er World of Tomorrow - Episode 2: The Burden of Other People's Tankts. Den tittelen er litt av en munnfull, men det er også andre menneskers tanker. Hertzfeld, via sin unike sans for humor og minimalistiske animasjon, er i stand til å fordype seg i den menneskelige psyken og utforske hvordan vi lever i fortiden og bli hengt opp på våre egne minner og andres. Det er ikke en film jeg nøyaktig kan forklare plottmessig, den er en du må se ... som 50 ganger. Hertzfeldt kunne lage 30 World of Tomorrow-filmer, og jeg ville se dem, hvis de til og med er like gode som disse to filmene, ville de være verdt.

Rystet fra kjernen min er hvordan jeg best kan beskrive det emosjonelle midtpunktet i denne norske thrilleren som vekker Carrie på flere måter enn en (det er også mor til toppen! For mest grufulle scener som involverer en baby). Thelma konsentrerer seg om en ung universitetsstudent som prøver å komme til rette med sin religiøse oppvekst når hun forelsker seg i en annen kvinne. Det hun ikke skjønner, men det som sakte blir tydelig, er Thelma er ikke en vanlig kvinne. Hun frykter guds vilje på grunn av sin kjærlighet, men for å overvinne den, kan hun kanskje bare bli en gud selv. Triers film er anspent på måter som få filmer kan administrere. Den har en klassisk Hitchcock-tilnærming til å bygge scener, men tilfører et element av mystikk. Ta for eksempel en scene satt i et operahus. Thelmas ønske blir sterkere med det øyeblikket, men vi har ikke helt peiling på hva hun kan gjøre ennå, men du kan føle at hun kan gjøre noe. Når showet fortsetter, ser du takhøyden begynne å riste, og Thelmas kramper vokser. Hva kommer til å skje? Kommer taket til å kollapse? Er det noe hun kan gjøre? Trier holder klokt kortet nær seg selv på forhånd for å skape fantastisk anspente øyeblikk som dette, og få filmer var like fascinerende som Thelma i år som et resultat.

Dawson City: Frozen Time er en fascinerende film å forklare, men det er enda mer å se på. I 1978 ble 533 filmer avdekket under jorden i Dawson City, Canada, men mange var tapt. Dokumentarist Bill Morrison tar disse filmene for å lage en fortelling om historien til Dawson City selv, ved å bruke arkivbilder og filmene som er avdekket til historien. Men filmene som ble avdekket var ikke nødvendigvis opptak av selve byen. Dawson City var siste stopp for filmdistribusjon da filmindustrien begynte, med filmer som kom 3 til 4 år etter at de hadde premiere. Det Morrison gjør er at han bruker disse filmene for å uttrykke følelser i løpet av flere tiår (som å ha filmscener stå inne i betydningsfulle øyeblikk, matchende for stemning og tone), og fanger både Dawson Citys oppturer og nedturer, men også landets. Det er en dypt bevegende film som fungerer nesten utelukkende fordi det frosne øyeblikket den avdekker er både betydelig og tappende. Dawson City var knutepunktet for Alaskan Gold Rush, der formuer ble gjort, men de fleste ble stående uten. Dette gjenspeiles videre av selve filmens natur. Som filmen opplyser, ble film født av en eksplosjon, og gammel filmbeholdning tok ofte fyr. Mens film brakte inntekter til Dawson City, kostet brannene den mer enn så mye. Morrisons film er en fengslende tidskapsel som kan fortelle oss mye om historien vår og hvordan noen ting aldri endres.

Det er ikke en filmskaper som er så kul som Sean Baker. Mannen bak Tangerine vet hvordan man fanger opp både belysning på en flaske når det gjelder underholdning og hvordan man graver seg under overflaten for å finne virkelige mennesker. Kanskje er det fordi han med vilje skyter med skuespillere uten navn og sikter til en følelse av realisme, men Florida Project beviser at selv å legge til store navngitte skuespillere og gå for et mer stilisert produksjonsdesign, Sean Bakers unike stemme fremdeles kommer gjennom. Filmen er et livssyn rett utenfor det andre lykkeligste stedet på jorden (Disneyland er det lykkeligste, Disneyworld er det andre). Hvis Disneyworld er fantasien, er Magic Castle Hotel virkeligheten. Selv om det ikke gjør filmen noe mindre magisk når vi ser den gjennom hele øynene til den seks år gamle Moonee, som er salig uvitende om mye i livet. Hun er bare et barn som morer seg. Moren hennes gjør ting som vil bli sett på som en uforgjengende mor, men hun elsker datteren sin, og ofte er valgene de beste alternativene tilgjengelig for henne å hjelpe Moonee. I bakgrunnen er Bobby Hick, med Willem Dafoe som gir best karriere i karrieren, ser opp for dem mens han også takler det harde faktum at dette livet er grovt og vil fange opp dem. Det er et ønske om å unnslippe disse tøffe realiteter, og Florida Project er en utforskning av hvordan vi prøver å gjøre det, avdekket med den mest fantastiske siste grøftet redningsinnsats i filmhistorien. Matchet med en virkelig vakker produksjonsdesign og Alexis Zabes eksepsjonelle kinematografi, har Sean Baker laget et mesterverk. Det er en film du bare må se, og du vil se den umiddelbart etter at du er ferdig.

Ingen ser helt verden slik Guillermo Del Toro gjør, og så lenge han lager film vil det alltid være noe spesielt i denne verden. Hans siste film, The Shape of Water, bygger bro mellom det stilistiske gapet i hans meksikanske skrekkfilmer og hans amerikanske blockbusters. Det er en eventyrromanse for voksne som blir fortalt med en stemme som bare Del Toro kan snakke. Ta for eksempel en drømmesekvens som kommer tilbake til gamle musikaler der hovedpersonen vår danser med sin mannfiskelsker (han har tross alt en fin rumpe). Denne sekvensen er helt surrealistisk og fantastisk, men den gir perfekt mening i rammen av historien og tidsperioden. Du ville aldri vært i stand til å sette disse brikkene sammen i hodet ditt hvis du fikk denne historien til å lage deg selv, men Del Toro gjorde det, og det er derfor denne filmen er spesiell. Det skildrer sannsynligvis det mest sunne forholdet som er avbildet på skjermen i noen år og fordyper seg i de virkelige menneskelige skurkene som finnes blant oss. Del Toro forteller oss så mye om vår verden ved å navigere i sin egen. Enten det er fascismen i Pan's Labyrinth eller den amerikanske drømmen i denne filmen, er Del Toros mål alltid sant. The Shape of Water er en eventyr som ingen andre, et vakkert stykke arbeid som bare en ekte filmmester kan lage, og Del Toro beviser at han nok en gang er den virkelige avtalen.

Denne filmen har ikke distribusjon ennå, da jeg skriver denne. Det har hatt et fantastisk festivalløp, men ingen studio har vært villige til å ta på den med en 10 fotstang. Det ser ut til at den nå vil se en slags utgivelse i 2018, og dere burde alle se det fordi Joseph Kahn's Bodied er en av de mest eksplosive funksjonene på mange år. Filmen følger Adam i alderen college, som vil skrive oppgaven sin om kamp rap. Rapperne ser på ham som en hvit gutt som vil si N-ordet, men er overrasket over at han faktisk er en ganske dope rapper i seg selv. Men på slutten av dagen er han nok fortsatt bare en hvit gutt som vil si N-ordet. Det ville være enkelt å kalle Bodied en irettesettelse av PC-kultur, selv om den er berørt. Bodied er en take no prisoners-film som setter noen og enhver på full blest. Det er en utforskning som kamp rap som et medium for å utfordre tabuer og trygge rom, men er det også et trygt sted i seg selv ikke? Ingen andre filmer kan trekke av at den tilsynelatende hovedpersonen faktisk blir verre som menneske når han kommer nærmere sitt endelige mål, men Kahn trekker den av med flygende farger. Årets beste film synes jeg alltid skal gjenspeile tidene. Det skal snakke til en større helhet og gjenspeile tingenes tilstand. For eksempel var det The Social Network, som for noen år siden snakket så på interaksjonene våre i det sosiale medielandskapet ved å dissekere de som kom oss dit. Bodied er den filmen for 2017, og den er høyt og stolt. Det er et friskt pust som undersøker alt fra hvithet til våknet kultur. Det antyder at grenser er ment å skyves, men grenser eksisterer faktisk, og når du krysser den linjen, bør du være klar til å bli fyldig. Det er kjeve fallende øyeblikk i massevis, og ingen film var nesten like underholdende som Kahns opus. Hvis du i det minste ikke stiller spørsmål ved ett aspekt om hvordan du snakker med hverandre eller tenker på forhåndsoppfatningene dine om noen av disse temaene etter at du ser det, så lyver du for deg selv. Det er ubehagelig, det er morsomt, det er oppsiktsvekkende, men mest av alt er det den beste filmen i 2017.