DE BESTE FILMENE I 2017

Du får det du har betalt for og ~ Jeg har ikke betalt noe

Hei alle sammen!

For de dere som er ukjente med nevrosene mine, ble jeg lei for noen år siden at folk spurte meg om hva jeg så på eller anbefalte, så jeg begynte å lage et regneark med alt jeg så med praktiske dandy rangeringer og driftstider. Jeg hater også lister som blir publisert før året faktisk er over (så alt sammen), og dette er min måte å prøve å være ~ den forandringen jeg ser i verden ~.

I år så jeg 134 filmer; vel kort av det fremdeles oppnådde målet mitt på 200, men noen av dere kan se på det tallet og tenke "Jesus som forklarer mye." Og du har rett! Det gjør det! (Hulk).

Uansett, det er 15 300 minutter (nøyaktig) eller 10,6 dager, og det inkluderer ikke TV (som det er altfor mye for meg til å skrive et innlegg nøyaktig om det, så vi kommer til å si det helt der borte) .

Jeg startet med THE FAST AND THE FURIOUS (ja, jeg så alle 8 filmene i serien i år, og livet mitt er bedre for det) og endte med PHANTOM THREAD (som, SPOILER ALERT, laget denne listen). Så uten videre, la oss dykke inn!

10. KATTERKUNSTEN (d: James Franco, 105 minutter)

Jeg hørte første gang om THE ROOM fra Entertainment Weekly da jeg vokste opp på Long Island. Det var en funksjon på denne vanvittige filmen som var rasende i LA og hadde en kabal av kjendisfans, og den gang virket den så utilgjengelig som HAMILTON er i dag.

Til slutt på college, kom jeg til en midnatt visning av rommet og ble hektet. Jeg fikk kulturen fullstendig og ble et hengiven medlem. Rundt denne tiden publiserte Greg Sestero (skuespilleren som spiller Mark i filmen) et memoar om å lage THE ROOM: THE DISASTER ARTIST, og noen år senere lagde James Franco den eponyme filmatiseringen.

Når jeg gikk inn visste jeg at jeg kom til å elske denne filmen, men jeg var litt nysgjerrig på hvordan det ville gjøre i resten av landet. Ville det bli sett på som en merkelig liberal elite-spøk som jeg først hadde trodd?

Kanskje det er tilfelle, men DISASTER ARTIST handler ikke bare om å lage THE ROOM; det handler om en manns drivende ønske om å være noen, uansett (bokstavelige) kostnader. Dette er uten tvil James Francos beste regiearbeid (som å være ærlig sier ikke så mye), men hans opptreden er lynchpin i denne filmen. Merkelig å se på først, forsvinner Franco til Tommy Wiseau, og forvandler en gåte til en ekte, men likevel merkelig mann. Det krever en overdreven mengde ferdigheter for ikke bare å få oss til å le av dette vanvittige mann-barnet, men også synes synd på ham og vil at han skal lykkes. Å støpe sin virkelige bror, Dave, som Sestero, er et genialt trekk og tjener bare til å synliggjøre vennskapet til de to mennene.

Du trenger ikke å se THE ROOM for å få glansen av DISASTER ARTIST; Temaene er åpenbare for alle som noen gang har hatt en glimt av en drøm og prøvd å jage den med alt de hadde.

9. LADY FIRD (d: Greta Gerwig, 96 minutter)

Tidlig i LADY FIRD, Christine McPherson (Saoirse Ronan) vil at vi skal kalle henne Lady Bird. Det er jo navnet hun ga for seg selv, og å endre navnet ditt er den ultimate opprørshandlingen mot ens foreldre, og LADY BIRD er ingenting om ikke historien om Christines krig mot moren, Marion (Laurie Metcalf).

Men den enkle handlingen i begynnelsen setter scenen for en av, om ikke den, beste gymnasiefilmen i år og den første som perfekt fanget depresjonen fra begynnelsen av 2000-tallet med Irak-krigen rasende i bakgrunnen i Sacramento sine stuer. Men Gerwig, som virkelig plasserer seg i pantheonet til store regissører med denne knockouten av en film, fokuserer på krigen hjemme mens Christine prøver å ta kontroll over livet for første gang hun er i stand til når hun nærmer seg stupbrunnen av voksenlivet. Marion og Ronan utfører dette usunne, men til slutt kjærlige, forholdet til Tennesee Williams-esque kattethet og hjerteskjærende ærlighet på lave poeng. Det er vanskelig å tildele den ene kvinnen over den andre når symbiosen er en så stor del av appellen.

LADY BIRD er morsom, ribald, hjerteskjærende, men viktigst, ekte. Og så mye som dette er Christines historie, er Marion ingen karikatur eller tegneserieskurk. Hun er en kvinne som har vært høy på håp og optimisme og krasjet hardt, så er det vanskelig å dømme henne for at hun ikke vil at den samme skjebnen skulle ramme datteren sin? Kanskje det, men det fører til en vakker avslutning som får en til å tro at alt kommer til å være i orden mellom de to (og at det ikke blir flere improviserte omkjøringer av en bil i bevegelse).

8. INSULTEN (d. Ziad Doueri, 112 minutter)

Den libanesiske borgerkrigen ble ført fra 1975–1990, og jeg er ekstremt underkvalifisert til å forklare den ordentlig. Men som TL; DR-sjiaer og sunnimuslimer og kristne kjempet mot hverandre, døde mange mennesker, og det har vært anspent fred i omtrent 30 år.

Dette er bakteppet av Ziad Doueris THE INSULT, en film som starter som en enkel tvist mellom en kristen mekaniker (Tony Hanna) og den palenstinske muslimske lederen som har tilsyn med byggingen i nabolaget hans. Saken er smålig (over en bokstavelig fornærmelse), men ingen av mennesker er villige til å gi avkall på æren sin, og ganske snart truer deres lille kamp med å rive landet og dets sår fra hverandre.

Det som starter som en morsom og grensefull Kafka-esque fars blomstrer til slutt i en dypere forståelse av traumer og splittelse, spesielt blant et folk som har mistet så mye. Det er ingen enkle svar mot slutten (og det skal heller ikke være), men INSULT har som mål å starte en samtale på veien mot å helbrede en nasjon som kanskje ikke er så helbredet som den tror den er, og i det har den lyktes enormt .

7. FANTOM TRÅD (d: Paul Thomas Anderson, 130 minutter)

Full avsløring: Paul Thomas Anderson er favorittregissøren min som jobber i dag. Jeg er overbevist om at han ikke er i stand til å lage en dårlig film, og PHANTOM THREAD fortsetter å fremme den troen.

Fortsetter sin transformasjon fra Robert Altman til Stanley Kubrick, er PHANTOM THREAD i bakgrunnen for karakterstudiene Anderson har gjort siden DER VIL BLØDE fordi filmen i hjertet handler om kjærlighetens natur. Det er vanvittig og uforutsigbart og frustrerende, men samtidig fantastisk og altomfattende.

Dette er følelsene som Reynolds Woodcock (Daniel Day-Lewis i sin påståtte sluttprestasjon), motedesigner til den velstående og europeiske lojaliteten, går gjennom etter å ha falt hode-over-hæler for Alma (Vicky Krieps i et helvete av en breakout-forestilling) ; den ene tingen han ikke ser ut til å kontrollere i livet sitt. Selv om det kan virke åpenlyst patriarkalsk og skummel, er Alma ingen pushover og det driver Reynolds desto mer gal (og forelsket i henne).

Jeg føler behov for å utpeke Jonny Greenwoods poengsum som gjennomsyrer alle nøye plasserte rammer i filmen. Jeg har hatt en løpeteori om at Greenwood er den moderne Mozart, og han gjør ingenting for å motbevise det ved å lage en poengsum som høres like rik og rørende ut som et hvilket som helst klassisk stykke av noen av de store mestrene. Etter å ha vært med Anderson siden DET BLIR BLOD, har de to mennene alltid vært flinke til å spikre et sonisk landskap, men Greenwood har virkelig overgått seg selv her. Jeg liker vanligvis ikke score som forteller deg hvordan du skal føle deg fordi de kan slå tilbake fryktelig, men Greenwood har så kontroll at poengsummen hans ber deg hvordan du skal føle deg. Til slutt kan man ikke la være å bare… lytte.

6. MUDBOUND (d. Dee Rees, 135 minutter, TILGJENGELIG PÅ NETFLIX)

Ofte stående av listen over kvinnelige regissører er den undervurderte og under-verdsatte Dee Rees som gjorde MOONLIGHT år siden med sin hjemsøkende (og semi-selvbiografiske film) PARIAH. Det er en film som viste frem talentene hennes, men kanskje ikke på en så prangende måte som, for eksempel, Ava Duvernay i SELMA.

Men med MUDBOUND er det ikke flere unnskyldninger. Dette er den beste filmen Terrence Malick aldri har laget, og den ble laget av Dee Rees. De fleste erfarne forfattere og regissører ville aldri prøve den ekspansive sagaen fra to familier, en hvit og en svart, i landlige Mississippi etter andre verdenskrig uten en HBO-miniserie bak seg. Rees og hennes medforfatter Virgil Williams takler historien i en 135 minutters film og spikrer hver takt, alt mens de sjonglerer flere fortellere og parallelle karakterbuer.

Historien om de hvite McAllans (Jason Clarke, Carey Mulligan, Garrett Dillahunt, Jonathan Banks) og Jacksons, deres svarte leietakerbonde (Rob Morgan, Mary J. Blige, Jason Clarke) har en kjent fatalisme til det. På grunn av tid og sted, vet du at de to aldri virkelig kan sameksistere, men Dillahunt og Clarkes karakterer, begge veteraner fra andre verdenskrig og begge tilsynelatende forbi de små rasedelingene i Jim Crow South, prøver å gi vennskapet deres gå med forutsigbart tragiske resultater. Rees trekker spenningen ut og gir McAllan-gården en klaustrofobisk følelse til tross for de store åpne områdene for å gjøre klimaks i filmen virkelig grufull.

Man håper at Netflix-stigmaet ikke holder MUDBOUND, eller Rees, borte fra herligheten som de virkelig fortjener. Hvis ikke noe annet, er det på tide å legge et annet ansikt, kanskje det mest fortjent, til samtalen til kvinnelige regissører i Hollywood.

5. BABY DRIVER (d. Edgar Wright, 113 minutter)

Historien om en ung dollar, fanget i et liv med kriminalitet, som ønsker seg ut, men over hodet på ham, er ikke en ny. På den verdien vil BABY DRIVER ikke vinne noen priser.

På den annen side er de fleste historiene uoriginale uansett, og det er alt i hvordan det blir fortalt, og BABY DRIVER fortsetter som en musikal på adrenalin-tilført kokain.

Lenge kjent for sin visuelle teft, kommer Edgar Wright endelig til Amerika med et rip-braring kjærlighetsbrev til biljakt og 70-talls R&B med den beste redigeringen jeg noensinne har sett i en film. I følge de mange, mange intervjuene han gjorde for filmen, planla Wright omhyggelig hver jakt med taktene til sangene han ønsket å bruke og resultatene… vel… de snakker for seg selv.

Jeg må også si at jeg er for hard på premisset fra BABY DRIVER; Jeg likte noen av vendene, spesielt skurksskiftet halvveis gjennom og den noe ukonvensjonelle avslutningen for Baby. Jeg vil også gi et rop til Wright for faktisk å omfavne Atlanta som et sted, og ikke bare et sted for praktiske skattelettelser. Etter å ha vært der noen ganger, spikret han virkelig spredningen i byen, og jaget i det underjordiske kjøpesenteret er A +.

4. GET OUT (d. Jordan Peele, 104 minutter)

Etter den urovekkende forkjølelsen, forbereder CHRIS WASHINGTON (Daniel Kaluuya) og hans hvite kjæreste ROSE (Alison Williams) seg for en morsom helg hjemme hos foreldrene. I bakgrunnen er Childish Gambinos "Redbone" med den gråtende avståelse, og ber Chris ubevisst om å "bli våken". Fra begynnelsen legger Jordan Peele ned brikkene for en virkelig skremmende opplevelse, alt sammen med å oppnå det mest spillskiftende karrierskiftet siden Adam McKay kom ut av ingensteds med THE BIG SHORT for to år siden.

Det er veldig lite jeg kan skrive om GET OUT som ikke har blitt dekket til døden siden den ble utgitt den siste februar, fra det faktum at skurkene er hvite liberale, symbolikken i Sunken Place, den bokstavelige bevilgningen som ligger til grunn for filmens viktigste konflikt , og politikken bak den falske avslutningen. En del av grunnen til at GET OUT ser ut til å ha gått inn i zeitgeisten på en slik måte, har åpenbart å gjøre med Trumps valg og hvordan (spoiler alert!) Rasisme ikke endte da Obama var president.

Men personlig tror jeg grunnen til at folk strømmer til GET OUT er at det er den første skrekkfilmen på en stund som ikke fornærmer publikums intelligens. Monstrene er virkelige mennesker og ikke bare sprø psykoer, skrekken er godt forklart og definert, og kanskje viktigst av alt: Chris er ikke en jævla idiot. Når han slippes løs og har sjansen til å gjøre noen virkelige skader, går fyren inn. I den siste rampen hans gjennom huset, kan du nesten føle at Peele ber om unnskyldning for alle dumme unger i hver skrekkfilm du måtte gå til tenåring fordi det er så kjempebra. Innimellom hvert knusende hode og knusing med død, kan man ikke la være å takke Peele for at han puster litt liv tilbake i en noe foreldet sjanger.

3. SALGSMAN (d. Asghar Farhadi, 125 minutter, TILGJENGELIG PÅ AMAZON PRIME)

Jeg er i midten av å se CURB YOUR ENTHUSIASM for første gang, og jeg har lagt merke til at Larry David er ganske mye den seriøse versjonen av Asghar Farhadi. Mens de har noen ganske åpenbare forskjeller, fokuserer verkene deres både på småfolk som har små ugjerninger og feil sakte koker og eksploderer katastrofalt med ødeleggende resultater. Mens det spilles for latter i Davids tilfelle, bruker Farhadi karakterene sine for å utforske nyanserte menneskelige natur. Kanskje mest imponerende som iransk statsborger må han gjøre det innenfor latterlig strenge sensurregler.

Det er med den tankegangen du må tilnærme deg en Farhadi-film (unntaket er 2013's PAST som er satt i Frankrike.) Alle kvinnene vil være i hodeskjermer, de fleste tabuemner vil bli danset rundt, og mye av filmen vil være folk som snakker. Likevel har Farhadi så kontroll at han selv i disse rammene er i stand til å produsere noen av verdens beste filmer og dialog (Side note: Ikke tenk på at han er en konservativ idiot heller. Se et intervju med fyren han har vekket AF. Det er et lite mirakel at han ikke er i en snusket celle et sted i Teheran).

SALESMANEN er intet unntak og fullt fortjent Oscar som den vant tidligere i år for beste utenlandske språkfilm. Historien om et ektepar, Emad (Shahab Hosseini) og Rana (Taraneh Allodoosti) med hovedrollen i en produksjon av Arthur Millers DEATH OF A SALESMAN som får livene sine revet i stykker når Rana blir angrepet av en inntrenger og traumatisert og Emad blir gal mens hun søker hevn. Det er kanskje den mest enkle av Farhadis filmer og definitivt den mest ødeleggende. I motsetning til ELLY eller breakout-filmen hans, A SEPARATION, har ikke hovedpersonene i SALESMAN noen åpenbare feil. Det er den oppsiktsvekkende hendelsen som får frem det verste i dem og er et interessant avvik fra Farhadis normale formel for å la mangler drive fortellingen.

Når filmen når den lovede og eksplosive avslutningen, er det mange ubesvarte spørsmål, men også mye smerte og hjertesorg når det gjelder Emad og Rana sitt forhold; noe som jeg føler har å gjøre med parallellismene mellom DEATH OF A SALESMAN. Stykket handler om Willy Lomans ønske om å finne litt suksess og fred i verden mens han er noen. For Emad er parallellen at han har mislyktes i å beskytte kona og for Rana, at hun har noe mislykket Emad i å bli angrepet. I dette tilfellet er de begge Willy Loman, og sliter med å finne fred med seg selv uten å ødelegge alt de har jobbet for. Det er en oppgave som er lettere sagt enn gjort.

2. DREPPEN AV EN SACRED DEER (d. Yorgos Lanthimos, 121 minutter)

De fleste trailere i disse dager er laget av idioter; folk som ser på en film og deretter må prøve å selge den. Når de selger det, trenger de å appellere til alle, og når du appellerer til alle, ender du ofte opp med å appellere til ingen. Trailere som ikke formidler stemningen til en film, kan ofte stave katastrofe for en films kassekjøring, men folk ser kanskje ikke en film hvis stemningen er "for rar".

De gode menneskene på A24 ser ikke ut til å bry seg om det og ga ut traileren ovenfor for THE KILLING OF A SACRED DEER (TKOASD). Jeg ble hekta og fikk alt jeg ønsket og mer når jeg så det.

Yorgos Lanthimos forrige film, THE LOBSTER, er hyllet av folk som har sett den (og til min overraskelse har mange sett den). Likevel, etter min mening, er TKOASD ikke bare en logisk fortsettelse av Lanthimos arbeid fra LOBSTER, den overgår forgjengeren på alle måter tenkelig.

Mens THE LOBSTER finner sted i en forestilt dystopia, finner TKOASD sted i den veldig virkelige og overraskende skremmende verdenen til Cincinatti. Steven Murphy (Colin Farrell), en strålende, men likevel arrogant kirurg (er det noen annen art?) Hjemsøkes av Martin (Barry Keoghan), en ung gutt hvis far ikke overlevde en av Steven's kirurgi. Som gjengjeldelse forbanner Martin Steven sin familie (Nicole Kidman, Raffey Cassidy, Sunny Suljic) for å dø sakte og fryktelig med mindre Steven dreper en av dem.

Og slik begynner den langsomme nedstigningen av Murphy-familien, og publikum, til galskap når en pest kommer ned på dem i form av lammelse, blødende øyne og skiftende allianser. Martin, den menneskelige legemliggjørelsen av Gud fra Det gamle testamente, forskyver og mumler veien vanskelig gjennom sitt korstog, plager Steven og tar ordtaket ”alt skjer av en grunn” til den logiske og grufulle konklusjonen. Det er en fenomenal forestilling av Barry Keoghan som fortjener å bli bedre kjent enn den stakkars ungen på båten fra DUNKIRK.

Lanthimos 'filmografi har alltid vært avhengig av en luft av absurditet som barn som leker på huset for å myke opp slaget av det han prøver å si, men TKOASD tar bort alt dette. Uten noe fantastisk eller metaforisk å falle tilbake på, blir redselen for det som utspiller seg kvelende, men allikevel fascinerende. Gjør ingen feil, TKOASD er morsom når den trenger å være det, men den vet også når du skal slå deg i ansiktet for å få deg til å være oppmerksom. Kor-esque sang og lange fokusbilder av Cincinattis elver gir følelsen av at man ser på en tabu-seremoni; noe som knytter seg til betydningen av filmens tittel (noe jeg ville Google etter at du har sett den) og hvorvidt man skal ta nihilistisk tilfredshet i det ”et øye for et øye” virkelig innebærer.

  1. COCO (d. Lee Unkrich, 109 minutter)

Siden kjøpet av Disney for 10 år siden, har Pixars kvalitet sunket jevnlig. Og når jeg sier å avta, mener jeg at de ikke banker 1.000 lenger, og det er urimelig å forvente at noe selskap gjør det. Imidlertid er de mer enn i stand til å slå en Grand Slam når de vil, og de har gjort nettopp det med COCO.

Mye er gjort om Disney-beslutningen om å plassere en kort fra FROZEN-universet foran COCO, og ryktet er at en historie om meksikanske mennesker ikke var nok til å få folk i setene. Mens jeg personlig likte FROZEN-korten, hvis det var begrunnelsen, er den dårlig. Folk burde ikke se COCO fordi det er en film om meksikanske mennesker; de burde se det fordi det er en fenomenal film. Full stopp.

I motsetning til andre filmer som kan bruke kulturelle tradisjoner som et hoppested for å utforske bredere temaer, vil COCO aldri for langt fra sine meksikanske røtter, og der ligger dens styrker. Paradoksalt nok ved å henvise til tradisjonene til Dia de Los Muertos (Day of the Dead), blir de bredere meldingene Pixar prøver å formidle enda tydeligere. Enda viktigere, kjærligheten som ligger til grunn for alt kommer i fokus.

Migulos (Anthony Gonzalez) reise inn i underverdenen for å finne sin berømte musikerforfader (Benjamin Bratt) og få sin velsignelse slik at han endelig kan spille musikk mot familiens ønsker virker barnslig og fantastisk, men igjen, så våger han bokstavelig talt inn i underverdenen. Selv om det ikke er så mørkt som DEN GODE DINOSAUREN (en lavmælt frykt og løs i LAS VEGAS-nyinnspilling), er COCO ikke redd for å dra til noen veldig mørke og skumle steder, og det er der Pixar vanligvis skinner. Akkurat som Jordan Peeles behandling av skrekk, prøver ikke Pixar å snakke med barna den er rettet mot, eller foreldrene som åpenbart vil få beskjeden.

Med døden, og spesielt innenfor tradisjonene til Dia de Los Muertos, er det mørke budskapet at du virkelig er død hvis du er glemt, og hva er vår tid på jorden hvis ikke et oppdrag, men å oppnå udødelighet? Det er et komplekst, tungt tema å navigere og et som COCO gjør uten anstrengelser, mens du får oss til å le og til slutt tøffe gråt av den endelige fremføringen av utstillingsvinduet "Husk meg". Jeg personlig forventet ikke å like COCO så mye, men igjen, filmer som dette minner meg om hvorfor jeg liker å se film så mye og hvordan livet mitt er så mye rikere for dem.

MEN VENT DET ER MER

I tillegg til disse 10 titlene, har jeg også lagt til følgende filmer til listen over filmer du bør se, som du får tilgang til nedenfor! Godt nytt år! Håper å se dere alle se på flere ting neste år!

https://docs.google.com/document/d/1pCIQv_UAm9H-2tRvRg7Ib8O7xuFGR4LfL85fZWgMx_w/edit?usp=sharing

RASKT FEM (Lin 2011)

LOGAN (Mangold 2017)

FURIOUS 7 (Wan 2017)

COLOSSAL (Vigolando 2017)

DITT NAVN (Shinkai 2017)

GUARDIANSER AV GALAXY VOL. 2 (Gunn 2017)

WONDER WOMAN (Jenkins 2017)

THE STOR SICK (Showalter 2017)

DUNKIRK (Nolan 2017)

GIRLS TRIP (Lee 2017)

THE VENERABLE W (Schroder 2017)

STAR WARS: THE LAST JEDI (Johnson 2017)

HELE PENGENE I VERDEN (Scott 2017)

BLADE RUNNER 2049 (Villenevue 2017)

MOLLY'S GAME (Sorkin 2017)

VALERIAN AND CITY OF A THUSAND PLANETS (Besson 2017)

DETROIT (Bigelow 2017)

JOHN WICK: KAPITTEL 2 (Stahelski, 2017)

RASKT & FURIOUS 6 (Lin 2013)

FATE OF THE FURIOUS (Gray 2017)

GRATIS BRANN (Wheatley 2017)

VANNFORMET (Del Toro 2017)

FØRSTE DE drepte min far (Jolie 2017)

HAPPY DEATH DAY (Johnson 2017)

STRONG ISLAND (Ford 2017)

PATRIOTS 'DAY (Berg 2016)

SPLIT (Shyamalan 2017)

THE LOST CITY OF Z (Gray 2017)

ALIEN: COVENANT (Scott 2017)

KRIG FOR APPENE (Reeves 2017)

KONG: SKULL ISLAND (Vogt-Roberts 2017)

PERSONLIG BUTIKK (Assayas 2017)

TENK IKKE TIL GANG (Birbiglia 2016)

DET RASKE OG DET FURIOUS (Cohen 2001)

LION (Davis 2016)

JEG ER IKKE DIN NEGRO (Peck 2017)

POWER RANGERS (Israelite 2017)

CAPTAIN UNDERPANTS: THE FIRST EPIC MOVIE (Soren 2017)

DET KOMMER OM NATTEN (Shults 2017)

WAR HUNDER (Phillips 2016)

HELLO, MITT NAVN ER DORIS (Showalter 2016)

THE BEGUILED (Coppola 2016)

WIND RIVER (Sheridan 2017)

EN FANTASTISK KVINNE (Leilo 2017)

DØDET OG LIVET AV MARSHA P. JOHNSON (Frankrike 2017)

LOGENS WIZARD (Levinson 2017)

THOR: RAGNAROK (Waititi 2017)

TRE FJELLBOKSER UTENFOR EBBING, MISSOURI (McDonough 2017)

BOY (Waititi 2010)

A MAN CALLED OVE (Holm 2015)

HVORDAN MEG EN LATIN ELSKER (Marino 2017)

TRAMPS (Leon 2017)

OKJA (Joon-Ho 2017)

SPIDER-MAN: HOMECOMING (Watts 2017)

GOD TID (Safdie Bros. 2017)

LOGAN LUCKY (Soderbergh 2017)

FOREIGNEREN (Campbell 2017)

NOVITIATE (Betts 2017)

HUSET (Cohen 2017)

I, TONYA (Gillespie 2017)